1.26.2005

Tres exposiciones interesantes

Leo Villareal. “Paisajes”.
Galería Javier López (Madrid) hasta el 24.2


(transcripción nota de prensa)

El trabajo de Leo Villareal, de origen mejicano y afincado en Nueva York, se sirve de la luz para crear obras a medio camino entre la escultura y la pintura. Desde sus primeras obras sencillas, realizadas con bombillas en cajas de plexiglás pintado y un circuito eléctrico sencillo, su obra ha ganado en complejidad manteniéndose siempre en el filo de la tecnología punta.


Inspirado por el matemático John Conway y su Game of Life, Leo Villareal ha desarrollado en los últimos años un programa informático para manejar tubos rellenos de LED (diodos emisores de luz) rojos, verdes y azules que, modulados individualmente, producen una gama de 16 millones de colores posibles. El programa utiliza sus propios parámetros, para gobernar una serie de agentes autónomos dentro de una matriz.

.
Leo Villareal. "Cashig rainbow".

A medida que los agentes exploran su terreno y se encuentran unos con otros, emerge un sistema complejo, que se manifiesta como un organismo más extenso en funcionamiento. A veces, las abstracciones resultantes recuerdan a los gráficos de baja resolución de los juegos de vídeos primitivos; otras, el movimiento sugiere algo más orgánico, como los reflejos de una superficie de agua ondulante. Las capas de los múltiples sistemas manifiestan efectos ópticos casi hipnóticos, que empujan y tíran del plano pictórico.


Leo Villareal. "Metratron"

El espectador, poco a poco, va obviando los tubos que contienen los LED y se va dejando llevar por los ritmos y las formas en movimiento que van creando los diodos. El resultado está así cargado de un fuerte contenido poético, con resonancias orgánicas.

En su última obra Paisajes que presentamos en esta ocasión, vuelve a las cajas de sus primeras obras, que difuminan la emisión de los tubos de LED creando así un efecto paisajístico. Leo Villareal ha recibido numerosos encargos públicos y ha realizado instalaciones "site-specific" en lugares como Toulouse, Francia, en ocasión de la celebración del Printemps de Septembre; para el Palm Beach Institute of Contemporary Art en la Florida; o en la estación Grand Central de Nueva York. En su última instalación, Supercluster, realizada en el 2004 para el PS1, Contemporary Art Center MOMA, en Long Island, el artista diseñó una estructura formada por 640 LED, de tamaño monumental, cubriendo el exterior del edificio.


Leo Villareal. "Untitled".

En febrero de este año participará en la exposición Visual Music 1905-2005, que se inaugurará en el Los Angeles Museum of Contemporary Art, Los Angeles, California (LACMA) para posteriormente viajar al Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, de Washington D.C.


Tanyth Berkeley, "Love Parade,"
Bellwether Gallery. (NY). Del 6 de enero al 5 de febrero 2005


Nos informan desde fromthe floor de la nueva exposición de Tanyth Berkeley en la galleria Bellwether Gallery de NY. Se trata de una serie de fotografías de formato grande de los extrañísimos participantes de la “Love Parade” que nos propone la artista. Una marcha del amor donde desfilan personas que Tanyth Berkeley ha encontrado en la calle o en el metro. Sujetos que detenten la “más pura y única belleza natural”



Tanith Berkeley, "Grace", 2003



La serie “Orchidaceae” retrata personajes físicamente únicos. Albinos, pelirrojos o rostros con rasgos asimétricos se convierten en personajes mágicos y misteriosos a través de la cámara de Berkeley. Su cuidada elección de la luz exagera la expresividad de los jóvenes rostros y dota de una pasmosa ingravidez a los peinados.

La exposición incluye los videos Serenade y Bird de la artista que añaden narratividad a la dimensión metafórica de la presentación.



Tanith Berkeley, "Deana", 2004

Uno de los haberes ajenos a su producción artística propia es el haber participado en la Cremaster series de Matthew Barney. Tanyth interpretaba a una azafata vestida de rojo en el primer capítulo de la serie.


Ester Partegàs. "Barricadas"
Galería Helga de Alvear. 20 de Enero al 5 de marzo 2005

El siglo XXI se podría calificar como el del triunfo de los no-lugares; aeropuertos, centros comerciales, plazas, salas de espera... Lugares repletos de estímulos comerciales pero carentes de cualquier referencia humana, donde las relaciones entre individuos se convierten en anecdóticas y vacías de significado. Ester Partegàs (La Garriga, Barcelona, 1961) reflexiona en su obra sobre estos conceptos, o las maneras de subvertirlos.


Ester Partegàs. Everything I don't want to be, 2004

Actualmente presenta la serie barricadas, un trabajo donde muestra cubos de basura atestados, como metáforas de miedos personales. Partegàs se cuestiona sobre la normalidad de estos elementos en nuestros espacios públicos y vindica su vertiente antropomórfica, sus implicaciones políticas y emocionales. Ante la visión de un cubo repleto nos cuestionamos sobre los elementos descartables de nuestra vida, de todos aquellos desechos que generamos para poder sobrevivir en la sociedad contemporánea y que finalmente constituyen barricadas, que obstruyen nuestro avance.


Ester Partegàs. Today, what is the revolution for, 2004


“Barricadas” consiste en una serie de trabajos realizados tanto en pintura, dibujo y escultura. A partir de transparencias, colores y diferentes tonalidades de negro, vemos imágenes sobrepuestas de cubos de basura repletos. El brillo de las superficies donde ellos se aplica hace un juego de reflejos donde el espectador se siente atraído hacia lsa formas y colores que surgen de los cubos.
Ester Partegàs estudió bellas artes en la Universidad de Barcelona. Actualemente vive y trabaja en NY. Ha expuesto en solitario en el Centre d’art Santa Mònica (Barcelona), PSI Contemporary art center (NY) o el el Whitney Museum de Altria. Ha conseguido el Premio Generación 2004 concedido por Obra social Caja Madrid

1.25.2005

Andrea Fraser

Una buena artista que quiero recomendar

Andrea Fraser es una artista de NY dedicada a la performance, el arte contextual y la crítica institucional. Desde mediados de los años 80 viene trabajando en varios formatos como performances, videos, instalaciones y publicaciones tanto en galerías como en museos alrededor del mundo. Sus obras más importantes son sus exposiciones en el MOMA de Nueva Cork (1986), el Museo de Filadelfia (1989) y el inSITE de San Diego/Tijuana y la Fundación MICA en NY. Entre 1986 y 1996 formó parte del grupo de performance V-Girls


Andrea Fraser, Untitled, 2003

Su obra más conocida es Untitled (2003). Se trata de un vídeo de aproximadamente una hora donde la artista hace el amor con un teórico coleccionista en las posturas más difícilmente imaginables. La obra final es un documento silencioso, sin editar, con cámara fija y luz sin retocar. La obra se inició gracias a la mediación de su galería habitual, Petzel de NY, entre ella y un coleccionista anónimo. Los requisitos eran que el coleccionista quisiera una obra de Fraser, quisiera ser registrado en una cinta de vídeo, y que obtendría la primera copia de la obra en la que el coleccionista iba a ser el protagonista.

''Toda mi obra trata sobre lo que queremos del arte, lo qué los coleccionistas quieren, sobre lo qué quieren los artistas de los coleccionistas, y lo qué quieren los visitantes de los museos”,'' ''Con ello quiero decir no sólo la parte económica, sino también desde un punto de vista mñas personal, sicológica y afectiva”


Andrea Fraser, Little Frank and His Carp 2001

Untitled es la continuación de 20 años de investigación sobre las relaciones entre los artistas y sus marchantes. Ha realizado performances donde realizaba visitas “guiadas” a galerías y análisis de colecciones de museos, instituciones de arte corporativas. Untitled cambia el punto de vista de su investigación desde las condiciones económicas y sociales hacia una esfera mucho más personal. La obra pone el énfasis en los términos de la relaciones personales, así como en los contractuales en los intercambios económicos.
Andrea Fraser expone actualmente su obra en la exposición colectiva PHOTOGRAPHY VIDEO MIXED MEDIA II hasta el 27.2.2005 en la DaimlerChristler Contemporary de Berlín y en la exposición colectiva Funky Lessons hasta el 26.2 en la Bawag Foundation de Viena

1.21.2005

Entrevista a Bruno Peinado


-Esta entrevista fue realizada a Bruno Peinado con motivo de su exposición en el Palais de Tokio parisino. Fue publicada en el número de noviembre de la revista H-. La publicamos ahora en este blog ya que expondrá en breve en la Galería ADN de Barcelona.


BRUNO PEINADO. ESTRUCTURAS CAÓTICAS

Bruno Peinado es el nuevo enfant terrible del arte francés. Aunque no es precisamente un adolescente, Peinado conserva la incandescencia de la pubertad. Su ya larga carrera artística plagada de éxitos parece que durante los últimos años está sustentándose con firmeza en el mercado comercial. A la espera de que su obra visite la galería ADN de Barcelona durante el próximo año, Bruno nos contesta antes de volar Belgrado.

Para empezar, acaba de revolucionar el mercado artístico parisino gracias a su última exposición para la “Nuit Blanche” (una especie de feria del arte que se celebra a lo largo de una noche y que sirve para que las galerías saquen sus obras a la calle).

Al mismo tiempo ha estado ocupando durante el trimestre pasado la sala grande del Palais de Tokio, (el centro expositivo más importante de arte contemporáneo de la capital francesa) con su obra “Perpetuum mobile”.


untitled-Nomad's land, 2000

Peinado hereda la tradición sesentera francesa de Arman, concebir una nueva visión de la cultura del usar y tirar, de la sociedad capitalista, mediante sus acumulaciones de objetos. Peinado se dedica a realizar instalaciones donde los más variados objetos se combinan, expuestos en los más variados soportes.

Centrados todos ellos en los mensajes, iconos y tópicos de la sociedad contemporánea, basada en la fugacidad y el lenguaje descabezado. “Perpetuum mobile ha simbolizado su gran oportunidad de llevar el concepto a sus últimas consecuencias, una caótica conglomeración de objetos modificados, violados, cuya nueva naturaleza, tras pasar por las manos de Peinado, nos hacen reflexionar sobre su verdadera realidad.


Perpetuum Mobile, Palais de tokyo, paris,, 2004

La exposición juega con la idea de movimiento perpetuo y con las nociones del tiempo detenido: de la pausa. La exposición era visible durante casi todo el tiempo como estropeada, como una exposición muy tecnológica, una videoinstalación, que se estropea cada dos por tres. Aunque aquí el parón era voluntario, duraba justo un cuarto de hora. Parece ser que un visitante tarda un máximo de quince minutos para ver una exposición.

Me interesaba jugar con ese límite, y un poco como un bonus-track, todas las piezas se ponían en marcha durante tres minutos cada cuarto de hora. Una gran corriente de aire arrasaba la exposición y todo se ponía a moverse como en ridícula fiesta ambulante. Los neones se ponían a parpadear “It doesn't just Happen, It doesn't just Happen, It doesn't". Una hormigonera completamente cubierta de espejos giraba como una mirror ball de discoteca. Aunque no todo se activaba físicamente, por ejemplo, una moto estaba customizada en bicicleta. Un customizaje a la inversa, ya que normalmente suelen ser objetos baratos que se convierten en objetos de deseo. Bruno enreda, modifica y especula con objetos cotidianos, tanto por el placer artístico como por el simbolismo que conlleva el cambio.


Untitled,Yeah,Yeah,Yeah, 2003

New Sensation
Pero no sólo eso, sino que intenta que el espectador viva una experiencia que implica muchos más sentidos “La idea del viento que atraviesa el espacio es también simbólica, como si el museo fuera algo corpóreo que yo quisiera animar, en el sentido latino; darle un alma, hacer respirar a esos objetos e imágenes.

También se habla mucho de la inspiración cuando se habla sobre el arte. Quería mostrar el momento después de la inspiración; la expiración, un soplido, un viaje de ida y vuelta entre el mundo y su contrario, entre el original y su copia, entre el modelo y su representación” El modelo y la copia, el reflejo, la otra cara del espejo hacen reflexionar a Bruno y parece que contraviniendo las reglas básicas de la representación, nos hace percibir la realidad de un modo más amplio.


02-Sans Titre, Born to be Mild, 2003


Pese a que su obra critica ferozmente la sociedad de consumo, Peinado parece caer en una contradicción, ya que utiliza los conceptos que critica para enriquecerse con ellas “La misma noción de paradoja es el fundamento de mis investigaciones. Todo aquello que sea paradójico está vivo y eso es precisamente lo que me interesa.

Yo soy paradójico, el mundo es paradójico y es sobre esa realidad sobre la que quiero reflexionar. Vivimos en un mundo donde todo está construido sobre combinaciones binarias, sobre oposiciones. Es algo que ya nos sirve, auque es mejor que sea así de sencillo. Yo intento que mi trabajo reenvíe al mundo un reflejo de la multiplicidad que nos rodea.

El mundo y el Artista

En un mundo global, en el mundo de los medios de comunicación masivos, llenos de mensajes complementarios parece haber el mismo caos que en la vida de Bruno “No creas, mi vida es bastante sencilla excepto por que trabajo y viajo mucho. Aunque tenemos una falsa idea de la noción de caos. Por ejemplo, ¿sabías que los movimientos de las moscas, que todo el mundo percibe como estúpidos, obedecen a unas estructuras completamente lógicas que la ciencia no ha entendido hasta el siglo XX, llamado el movimiento browniano?. Una vida de aquí para allá propia de los artistas plásticos contemporáneos, obligados a moverse por todo el planeta para poder enseñar su obra a los minúsculos públicos locales interesados en ella.


Sans Titre, 2003

Una vida propia de la sociedad zapping que critica su obra “Formo parte de la sociedad zapping, aunque para mí el zapping es que vivo una semana en NY y después otra en la campiña francesa, la siguiente en Sao Paolo, y así… Yo siempre pienso en muchas cosas al mismo tiempo, una imagen me lleva siempre a la otra, estoy impregnado por la cultura de la velocidad, aunque ello no me impide reflexionar sobre ese modelo, de buscar sus límites. Unos límites constreñidos por un mundo: la Tierra y un momento: la sociedad posmoderna, encargada de demoler los viejos tótems culturales para construir otros nuevos “La novedad, la novedad, no hace nada falta nada más” Fue Luis XIV quien lo dijo, y ese fue el punto de partida de la compañía de las Indias, que luego conduciría al esclavismo.

La cuestión de la originalidad y de la novedad me interesa aunque me cuesta integrarlas en mi trabajo. Yo no creo nuevas imágenes, solamente reutilizo aquellas que me rodean, me apropio del reflejo de las cosas, las rediseño, y me valgo de las ideas de novedad y originalidad para cuestionar nuestro mundo con sus propios mecanismos. Nacho García.

Bruno Peinado y Virginie Barré en ADN

La galería ADN inaugurará el próximo jueves 27 su nueva exposición. Sus protagonistas son la pareja sentimental formada por los franceses Virginie Barré y Bruno Peinado.

Barré realiza su trabajo en los soportes de fotografía y dibujo. Su temática preferente son las imágenes de los momentos precedentes. Muy influenciada por el lenguaje audiovisual, nos trasnmite una noción de realidad a través de sus secuencias. Nos muestra los preparativos de la escena principal y sus consecuencias para que el espectador pueda sacar sus propias conclusiones, sus hipótesis y explicaciones. Son imágenes inquietantes y perturbadoras que no nos permiten concebir la realidad como anteriormente.

Bruno, por su parte, es un heredero de la cultura pop. Las instalaciones de Raushenberg o de su compatriota Arman nos acercan a la obra de Bruno. El almacenaje, la acumulación de objetos e imágenes, en un orden caótico nos sumergen en el mundo personal del francés. Utiliza la transgresión de imágenes populares y la utilización de mecanismos alternativos a la imagen para despertar nuestra capacidad sensorial como las corrientes de aire, la luz o el sonido. Gracias a sus exposiciones recientes en el Palais de Tokio y en la participación de la Galería Loevenbruk en la Nuit Blanche parisina ha conseguido un reconocimiento internacional.

Esta es la nota de prensa ofrecida por la galería para mostrar el evento.

"El Corte Francés”
Bruno Peinado – Virginie Barré

Del 27 de enero al 12 de marzo de 2005
Inauguración jueves 27 de enero a partir de las 19.30 h.

Bruno Peinado (Montpellier, 1970) no se define a sí mismo como un artista pop, pero sí le gusta tomar elementos, imágenes y mensajes de la cultura popular para “jugar con su sentido”, con ideas preconcebidas o asimiladas. Su trabajo se fundamenta conceptualmente en la apropiación de la iconografía de nuestra contemporaneidad para construir un mundo de imágenes sincrético y personal sin llegar a ser críptico. Tampoco es un artista político, ya que según las circunstancias exteriores asume diferentes identidades y, utilizando técnicas variadas, juega con ellas de una manera irónica, coloreada y “easy going”.


Montaje de Bruno Peinado en la galería la Fábrica de Madrid


Esa trama de múltiples lecturas y la riqueza interpretativa de sus instalaciones ha motivado el interés de la crítica y ha posibilitado que su trabajo se haya mostrado en varias ferias, exposiciones y galerías internacionales. Cabe destacar su presencia en la Bienal de Estambul (2003), en la Whitechapel de Londres, en P.S.1 de Nueva York, en la última Bienal de Sao Paulo y recientemente en el Palais de Tokio de Paris.

Virginie Barré (Francia, 1970) es una artista difícilmente definible, pero lo cierto es que su obra tiene una evidente influencia del cine y el comic de serie noire. De hecho en su trabajo encontramos muchas influencias del mundo cinematográfico, desde Alfred Hitchcock y los hermanos Cohen, hasta Stanley Kubrick. Lo que Virginie intenta hacer es convertir ese mundo ficticio en realidad, en algo que se pueda palpar con mano, planteando una escena del crimen en la cual el espectador se sienta envuelto y pueda convertirse en detective improvisado, proponiendo las hipótesis de móviles más originales.



Virginie Barré, "Dreamers"


Virginie Barré es una artista apreciada a nivel internacional, como deja constancia su presencia en la exposición inaugural del Palais de Tokio, , en Nueva York con Drawing Quake, o su estancia en Villa Arson, Niza.


1.16.2005

Últimos días para ver la Obra de M. A. Gaüeca

La Galería Espacio Mínimo de Madrid albergará en su salas la exposición del fotógrafo español Miguel Ángel Gaüeca "My Love Affair with Art" hasta el día 22 de Enero.



La exposición es continúa su serie "Me, myself and I". En esta nueva serie, Miguel Ángel propone una reflezión en torno al mundo del arte tomando como punto de partida la figura del artista. EL nexo en común de las piezas será la temática; el mundo del arte - la autocomplacencia, el mercado, el talento, lo aunténtico, etc.- Gaüeca sigue utilizando su maravillosa estética para atrapar la mirada del espectador despistado en las imágenes, entre el surrealismo y la fantasía, para luego bombardearle con sus críticas reflexiones sobre la sociedad contemporánea






1.15.2005

Ferias de Arte de los próximos seis meses

Hemos realizado una selección de las principales Ferias de arte a nivel mundial que se celebraran durante los próximos seis meses., a partir de la lista aparecida en artnet.com



ENERO

Art Miami
6-10 Ene, 2005
La 15ª edición de Art Miami,, la feria más latina de la ciudad, al menos hasta la llegada de la Art Basel Miami Beach – tiene como invitadas a 110 galerías de 23 países en el Centro de Convenciones de Miami Beach. Art Miami incluye varias secciones: "Currents" para el arte más actual, "Project Spaces" dedicada a las instalaciones individuales y por primera vez, una selección especial de vendedores norteamericanos de cristal.


San Francisco International Art Exposition
14-1 7 Ene, 2005
Más de 100 galerías, desde la Addison Fine Arts (San Francisco), Alpha Gallery (Boston) y la Galería Paule Anglim (San Francisco) hasta la Traywick Contemporary (Berkeley), Trillium Press (Brisbane, Ca.) o la Walker Fine Art (New York). La inauguración se realizará el día 13 a beneficio del Instituto de arte de San Francisco Art Institute.



Photo L.A.
Ene, 20-23, 2005
La 14ª Exposición de arte fotográfico de Los Angeles, producida por Stephen Cohen, cuenta con la presencia de más de 80 galerías, producida por el marchante Stephen Cohen en el Auditorio público de Santa Mónica.



Arte Fiera Bologna
27-31 Ene, 2005
La más tradicional feria italiana toma este año por título “Art First” y contará con la presencia de unas 230 galerías de arte moderno y contemporáneo . La muestra se celebrará en un “Nuevo espacio de gran calidad” en las remodeladas salas de la nuevo edificio de exposiciones de Bolonia.



Moscow Biennale
28 de Ene a 28 de Febrero
Tendrá más de 20 exposiciones especiales en el Museo Histórico Estatal, el Museo Pushkin de Bellas Artes, y el Museo Estatal Schuseyg. Las muestras, organizadas por varios curadores, son "Human Project," "Gender Troubles," "No Comment?" y "Apartment Exhibitions Yesterday and Today." Entre los invitados especiales se encuentran Christian Boltanski, Ilya Kabakov y Bill Viola.

FEBRERO

ARCO
Feb. 10-14, 2005
La Feria de Madrid annual, cumple casi el cuarto de siglo , tendrá unas 250 galerías de arte contemporáneo de España y el extranjero. México es el país invitado de la actual edición.

Art Rotterdam
Feb. 24-28, 2005
La Feria Interancional holandesa presenta a 72 galerías de arte moderno y contemporáneo de Alemania, Francia, Reino Unido, grecia, Italia, Holanda, Austria, Portugal, los Estados Unidos y Suiza en la terminal de cruceros de Rotterdam. Entre los participantes norteamericanos se incluyen Caren Golden Fine Art, Kravets & Wehby Gallery and LMAK Projects.



MARZO

The Armory Show
Mar. 10-14, 2005
Para conocer si NY sigue siendo el centro dek arte contemporáneo en el siglo XXI habrá que visitar la séptima edición del Armory Show, que contará con unas 160 galerías de alrededor del mundo, y que tendrá lugar en los Piers 90 and 92 sobre el río Hudson.

ABRIL

The Seattle International Art Fair
Apr. 7-10, 2005
Más de 100 marchantes en la sala de exposiciones Seattle Center y el el adjunto Fisher Pavillion. Esta nueva Feria sera organizada por International Art Fairs, una compañía de la ciudad. Los comités de selección incluyen a Houldsowrth (London), Espacio Minimo (Madrid), PYO (Seoul), Franklin Parrasch (New York) y Walter Bischoff (Berlin/Stuttgart).

MAYO


Prague Biennale
Finales de Mayo-Sept. 18
La segunda edición de la Bienal de Praga, organizada por los editores de la revista de arte Flash, Giancarlo Politi y Helena Kontova, albergará un show de nuevos trabajos de unos 100 artistas titulada “Pintura expandida”, además de varias exposiciones de Leipzig y en Dresden. El "Normal Group" de lso ‘80s (Milan Kunc, Jan Knap, Peter Angermann), y “Nuevas perspectivas en la pintura china” y muestra diferentes shows sobre arte kinético y Nuevo arte latinoamericano. Se la conoce como la Feria de arte más grande de la Europa del Este hasta el momento, el show se celebra en el Centro Karlin, un espacio post-industrial de 5000 m cuadrados.

JUNIO

Bienal de Venecia
Junio 12-Nov. 6, 2005
Las curadoras españolas María del Corral y Rosa Martínez organizan la “Experiencia del Arte y “Always like a Flutter”

Greater New York 2005

El P.S. 1 organizará desde el 13 de marzo hasta el 26 de septiembre de este año uno de las exposiciones que previsiblemente tendrá más repercusión dentro del panorama del arte contemporáneo internacional, que llevará por título “Greater New York 2005”. La muestra es heredera de la “Greater New York” realizada por el mismo centro en 2000 y que muchos consideran como la impulsora del actual furor del comercio de arte desde entonces.
La muestra de 2000 incluyo a Cecily Brown, Julian LaVerdiere, Inka Essenhigh, Paul Pfeiffer, Lisa Ruyter, James Siena y Do-Ho Suh, entre otros. Debido a la gran repercusión que tuvo, muchos artistas, convencidos que “Greater New York puede dar a sus carreras, están especialmente obsesionados con la próxima muestra. Sin embargo, P.S. 1 ha decidido guardar secreto sobre quiénes serán finalmente los participantes en dicha muestra hasta el último momento. Según la revista Artforum magazine en su número de Enero, no desvelará sus nombres hasta el día de la inauguración.